A painting of Anette Werndl

Ausgewählte Bilder

Neuigkeiten

Flyer of the exhibition "interactivity" in New York

Ausstellung "Interactivity"

Ich freue mich, die nächste Ausstellung ankündigen zu können, bei der ich einige meiner Bilder präsentieren darf!

WANN: Eröffnung am Donnerstag, den 10. November von 18-21 Uhr

WO: AMRM Gallery, New York


Ausstellung in der Galerie Hudson

Ausstellung in der Galerie Hudson

Ich bin wirklich stolz darauf, meine Einzelausstellung anzukündigen, die am Freitag, den 9. September begonnen hat! Für die nächsten drei Monate bis zum 2. Dezember können Sie die Ausstellung in der Gallerie Hudson in Jersey City (197 Newark Avenue, New York) besuchen.

Das neue Buch "Color is my Music" von Annette Werndl

Color is my Music

"Abstrakt und expressiv – die Werke der Farbvirtuosin Annette Werndl (*1956 in Deggendorf, Bayern) werden international geschätzt und ausgestellt. Die Monografie präsentiert Bilder der letzten Jahre, wesentlich inspiriert von Aufenthalten in den USA – vor allem in New York – sowie von der Musik (Jazz, Blues und Pop), die sie beim Malen hört."

Jürgen B. Tesch ist Verleger und Kunstkenner. Er gibt die Edition Jürgen B. Tesch im Hirmer Verlag heraus.

Das Buch erschien im Oktober 2022 auf der Buchmesse in Frankfurt!

Annette Werndl in Venedig

Venedig

Vom 13. Juli bis 7. August war ich in der Nähe des Markusplatzes und habe einige meiner Lieblingsbilder präsentiert.

Gemeinsam mit drei deutschen Malern gaben wir im  Palazzo Bembo einen Einblick in unsere Welt der Kunst.

Annette Werndl in New York

New York

Ein Traum wird wahr! Vom 04. April bis 30. Juni 2022 wurde ich, zusammen mit vier weiteren Künstlern aus Spanien, Argentinien, El Salvador und Deutschland, eingeladen im Mana Contemporary, Jersey City zu arbeiten.

Vielen Dank an Eileen Kaminsky und die Eileen S. Kaminsky Family Foundation.

Folgt mir auf Instagram und begleite mich auf meiner Reise!

Ausstellungen

a past exhibitiona past exhibition

Vergangene Ausstellungen

Auswahl

2022
Leonovich Art Gallery, New York City
2022
Palazzo Bembo, Venedig
2021
Jelmoni Gallery, Piacenza, Italy
2021
Colorida Art Gallery, Lisbon, Portugal
2020
313 Gallery, Jersey City, NJ, USA
2019
Deutsches Salzmuseum, Lüneburg, Germany
2019
Kunstraum im Atlantik, Munich, Germany
2018
Galerie G., Judenburg, Austria
2017
Art Olympia 2017, Tokyo, Japan
2017
Art Basel project, Basel, Switzerland
2017
Galerie Brienner Strasse, Munich, Germany
2017
Galerie am Schillerplatz, Vienna, Austria
2017
Himmelspforte, Würzburg, Germany
2014
Kunsthaus Sudhaus, Villach, Austria
2014
Regierung von Oberbayern, Munich, Germany
2014
Stiegenhausgalerie, Seeboden, Austria
2013
Galerie im Alten Rathaus, Prien, Germany
2013
Foyer Schattdecor, Thansau, Germany
2013
Kunstpavillon im Alten Botanischen Garten, Munich, Germany
2012
Galerie am Schloss, Isny, Germany
2011
Galeria Szyb Wilson, Katowice, Poland
2010
Mönchsbergkavernen, Salzburg, Austria
Leonovich Art Gallery, New York City
Palazzo Bembo, Venedig
Jelmoni Gallery, Piacenza, Italy
Colorida Art Gallery, Lisbon, Portugal
313 Gallery, Jersey City, NJ, USA
Deutsches Salzmuseum, Lüneburg, Germany
Kunstraum im Atlantik, Munich, Germany
Galerie G., Judenburg, Austria
Art Olympia 2017, Tokyo, Japan
Art Basel project, Basel, Switzerland
Galerie Brienner Strasse, Munich, Germany
Galerie am Schillerplatz, Vienna, Austria
Himmelspforte, Würzburg, Germany
Kunsthaus Sudhaus, Villach, Austria
Regierung von Oberbayern, Munich, Germany
Stiegenhausgalerie, Seeboden, Austria
Galerie im Alten Rathaus, Prien, Germany
Foyer Schattdecor, Thansau, Germany
Kunstpavillon im Alten Botanischen Garten, Munich, Germany
Galerie am Schloss, Isny, Germany
Galeria Szyb Wilson, Katowice, Poland
Mönchsbergkavernen, Salzburg, Austria
Hero - About Annette Werndl

Über mich

Annette Werndl in her studio

Annette Werndl

Abstrakt und expressiv - die Werke der Farbvirtuosin Annette Werndl werden international geschätzt und ausgestellt. Schon früh erfuhr Annette Werndl Ermutigung, ihrem künstlerischen Talent in der Malerei nachzugehen und auch mit Ölfarben auf Leinwand zu arbeiten.

Doch erst nach einigen Berufsjahren als Innenarchitektin (Dipl.-Ing.) fasste sie den Entschluss, freischaffende Künstlerin zu werden. Sie studierte Malerei an verschiedenen Kunstakademien und gehörte den Meisterklassen von Jerry Zeniuk und Hermann Nitsch an. Durch ihre Reisen und Aufenthalte in der Ferne fand sie ihre eigene Bildsprache, deren expressive Farbsetzung einen unausweichlichen Sog entfaltet.

2022

April bis Juni Künstlerresidenz bei Mana Contemporary in Jersey City, NJ

2013

Planung und Realisation der Akademie der Bildenden Künste an der Alten Spinnerei in Kolbermoor

1996

Belegt zusätzlich Seminare und Studiengänge für Malerei an Kunstakademien (Bad Reichenhall, Aschau) und an der Akademie der Bildenden Künste an der Alten Spinnerei in Kolbermoor

Meisterklasse bei Professor Jerry Zeniuk

Meisterklasse bei Professor Hermann Nitsch

1983

Planungsarbeiten – Innenarchitektur für Privat- und Geschäftsbereiche im In- und Ausland

1982

Reisejahr: USA – Mexiko – Kanada

1981

Abschluss Innenarchitektur (Dipl. Ing.) an der FH Rosenheim

1978

Abitur in Deggendorf

1966

Internatsschule Kloster Seligenthal, Landshut (bis 1969)

1956

Geboren in Deggendorf

Referenzen

Einige Zeilen zu den Eindrücken eines Bildes

von Jerry Zeniuk

Das Werk von Annette Werndl ist mir seit langem vertraut. Was mich an dem Gemälde Swinging Lights 1 (Mount Fuji) [S. 27] immer schon interessiert hat, ist sein naturalistisches Motiv: ein Berg. Betrachte ich ein Gemälde, dann frage ich mich: „Worauf sollte ich hier besonders achten?“ und „Was sagt es mir?“ Zunächst einmal sehe ich Farbe: Farbe als Oberfläche, Farbe als Geste und Farbe als Fläche. Dann erkenne ich den Berg, der auch Farbe ist. Ich sehe die Farbe auf dem Berg und ich sehe, was ein Himmel sein könnte, in verschiedenen Farben gemalt.

Doch wenn ich den Himmel genauer betrachte, dann ist er mehr Farbe als Himmel. Diese Doppelrolle der Farbe interessiert mich. Die Farbe ist auf der Oberfläche und im Bild, sie ist beides zugleich. Für mich ist dies eine Metapher des Lebens. Zu porträtieren, darzustellen, zu enthüllen, zu konfrontieren: Gegensatz. Am Ende muss ich entscheiden, was ich sehe und verstehe. Um darüber nachzudenken, was ich sehe, muss in mir genug Interesse da sein. Und dieses Interesse ist in der Präsenz der Materialität der Farbe begründet. Das Bild ist nur ein Vehikel für die Farbe und die Malerei. Ihre Materialität verleiht der Farbe Kraft: die Kraft, meine Aufmerksamkeit zu fesseln. Letztlich geht es um die Frage: Will ich das Gemälde noch länger betrachten? Identität ist ein weiterer wichtiger Anhaltspunkt. Annettes Gemälde haben ein Farbschema, das wie eine Stimme erkennbar ist. Ihre Farben sind kühl und das sich daraus ergebende Licht suggeriert Tiefe. Alle ihre Werke besitzen diese Farbe und dieses Licht. Tiefe und Bildraum können anders sein. In diesem Gemälde begebe ich mich von unten in den Bildraum und bewege mich nach oben. Der Himmel erwidert meinen Fokus. So trete ich in das Gemälde ein, habe eine visuelle Erfahrung mit der Farbe und einem Berg, und kehre zu mir selbst und meinen Gedanken über das Erlebte zurück. Was bedeutet dieses Gemälde also oder ist das wichtig? Genau, das ist das eigentlich Interessante: Mir scheint, dass der Prozess des Malens hier die einzige wichtige Betrachtung ist. Und das fesselt meine Aufmerksamkeit. Lebendig und interessiert zu sein ist das, was zählt. Dieses Gemälde erfüllt meine Erwartungen.

Bilder für Räume jenseits des "White Cube"

von Wolfgang Ullrich

Um den Anspruch zu verdeutlichen, den sie mit ihrer Kunst verfolgt, verwendet Annette Werndl gerne die Formulierung „Bilder geben Räumen Halt und Kraft“. So klar verständlich diese Worte sind, so sehr lohnt es auch, sie ernst zu nehmen. Dabei ist zunächst bemerkenswert, dass Werndl sie vor allem anführt, wenn sie – etwa auf ihrem Instagram-Account – Fotos zeigt, auf denen eines ihrer Gemälde in einem Wohnambiente, in Räumen mit Möbeln und Gebrauchsgegenständen zu sehen ist.

Anders als in den ersten Phasen des Abstrakten Expressionismus, in dessen Tradition Werndls Werke stehen, wird also nicht länger der White Cube als primärer und idealer Ort der Kunst verstanden. Sollten die Bilder in diesem völlig frei, ungestört gerade von der alltäglich-profanen Lebenswelt sein, hieße es für Annette Werndl vielmehr, die Kunst zu unterschätzen und zu unterfordern, wenn man meint, sie müsse isoliert und aseptisch präsentiert werden, um wirken zu können. Im Gegenteil können Gemälde für Werndl offenbar erst dann unter Beweis stellen, über welche Qualitäten sie verfügen, wenn man sie in die Räume bringt, in denen Menschen sich ohnehin aufhalten. In einem Wohnzimmer, einem Besprechungsraum oder einem Büro zeigt sich, ob Kunst etwas zu verändern vermag – ob sie „Halt und Kraft“ gibt. Wieso aber lässt sich das von Bildern überhaupt erwarten? Und wieso erhofft Annette Werndl sich das gerade von ihren Gemälden? Diese zeichnen fast immer viele unterschiedliche Farben aus, von denen einige sehr kräftig, mitunter auch in größeren Flächen aufgetragen sind. Dennoch empfindet man die Bilder nie bunt im Sinne eines grellen Durcheinanders von Farben. Durch starke Kontraste entwickeln ihre Werke vielmehr Leuchtkraft, benötigen einander dafür aber auch gegenseitig, und daher wirkt es, als würden sie miteinander konzertieren, nicht untereinander konkurrieren. Verliehen etliche Abstrakte Expressionisten ihren Gemälden atmosphärische Dichte, indem sie die Farbigkeit reduzierten, ja das Farbspektrum verengten, geht Werndl also den entgegengesetzten und schwierigeren Weg. Tatsächlich verlangt es Mut, sich viele Farben gleichzeitig zuzutrauen und zudem ungewohnte, schnell auch als disharmonisch empfundene Kombinationen zwischen Farben zuzulassen. Allein mit starker Konzentration und einem geradezu musikalischen Sinn für Farben lässt sich über alle Tonvielfalt hinweg ein einheitlicher Klang, eine höhere, komplexere Form von Harmonie erzeugen. Indem Annette Werndl das gelingt, können ihre an jeder Stelle fein austarierten Gemälde aber auch auf den gesamten Raum sowie diejenigen ausstrahlen, die sich in ihm aufhalten. Und was sonst könnte eher und besser „Halt geben“? Doch nicht nur das. Auch die von Werndl angesprochene „Kraft“ ist in ihren Bildern spürbar. Dazu trägt erheblich bei, dass es sich bei ihr um eine Malerei in Schichten handelt. Die Farbe dringt dabei aus den unteren Schichten an die Oberfläche, manchmal wird sie auch durch das Abkratzen später dazugekommener Schichten freigelegt. So entsteht ein Bildraum und weiterhin der Eindruck von Bewegtheit. Gerade wenn die unteren Schichten mit intensiven Farben angelegt sind, wirkt es, als würde das gesamte Gemälde ähnlich einem Vulkan unter der Oberfläche brodeln. Man spürt also Dynamik und Energie, und dies wiederum reicht über die Grenzen des Bildes hinaus und entlädt sich im gesamten Raum. Zugleich scheint es, als sei das Gemälde in fortwährender Veränderung, sei gar kein statisches Bild, sondern ein unvorhersehbar ablaufendes Geschehen. Da immer wieder ein einzelner Pinselstrich oder die Art und Weise, wie Werndl eine Spachtel über den Malgrund gezogen hat, zu sehen ist, man also nachvollziehen kann, wie das Gemälde entstanden ist, fühlt man sich erst recht als Augenzeuge eines Schöpfungsprozesses. Und da dieser noch nicht abgeschlossen zu sein scheint, kann man sich sogar vorstellen, darin einbezogen zu werden und aus einer rezipierenden Position in eine aktivere Rolle zu wechseln. Bestenfalls fühlt es sich an, als würden eigene kreative Fähigkeiten freigesetzt. Auch insofern können Annette Werndls Bilder also Kraft geben, können motivieren und stimulieren. Umso wichtiger ist, dass man diesen Bildern nicht nur im White Cube begegnet, sondern dass man dort auf sie trifft, wo man wohnt, arbeitet und mit anderen Menschen zusammen ist. Nur dort kann man der Erfahrung von „Halt und Kraft“ auch eine Richtung geben, sie in das eigene Leben aufnehmen und fruchtbar werden lassen. Gemälde haben die Eigenschaft, dass ein solcher Effekt fortdauern kann, die Wirkung sich also nicht erschöpft. Darin aber sind sie sogar der Musik überlegen, denn ist sie verklungen, nichts bleibt von ihr im Raum. „Halt und Kraft“ kann sie höchstens geben, während sie gespielt wird. Dieser Vorzug von Bildern wird oft übersehen oder unterschätzt, vermutlich weil der Vergleich mit Musik gerade in der Anfangszeit der abstrakten Malerei fast nur zu ihrer Rechtfertigung diente. Nachdem die bildende Kunst davor jahrhundertelang an der Literatur, am Theater und an der Rhetorik orientiert war, bedeutete es immerhin einen großen Einschnitt, sich aller Bilderzählungen zu entledigen und dafür eine von der Realität unabhängige Welt zu erschaffen. Abstrakte Kunst war also zuerst in der Defensive, und jeder Vergleich schien nur dazu da, sie zu stützen. Wirkte sie daher fast zwangsläufig als Abklatsch von Musik, so hat sie mittlerweile jedoch ihre eigenen Traditionen, eine eigene Geschichte spezifischer Techniken und Stilmittel. Daher lässt sich nun auch besser erkennen, was abstrakte Kunst zu leisten vermag und in welchen Belangen sie der Musik auch überlegen sein kann. Nein, Gemälde wie die von Annette Werndl braucht man wirklich nicht im White Cube zu schützen. Man kann, ja man soll sie vielmehr in möglichst vielen und möglichst unterschiedlichen Räumen präsentieren, damit sich ihre Qualitäten voll entfalten.

A painting of the year 2020 called "Swinging Lights (Mount Fuji)"
Some words to a painting
by Jerry Zeniuk
I’ve known the work of Annette Werndl for a long time. What had interested me about the painting Swinging Lights 1 (Mount Fuji) is the naturalistic imagery, a mountain. When I look at a painting, I ask: What should I look at? and What does it mean? First I see paint: paint on the surface, paint as a gesture and paint as an area. Then I see the mountain, which is also paint. I see paint on the mountain, and I see what could be a sky that is painted in various colors.
But when I look at the sky, it is more paint than sky. This dual role of color interests me. The paint is on the surface, and it is in the image. It is both at the same time. I consider this a metaphor for life. To portray, to present, to reveal, to confront: contradiction.
And in the end, I have to decide what I’m seeing and understanding. There has to be enough interest to make me reflect on what I’m seeing. And that interest is the presence of the materiality of the paint. The image is only a vehicle for the color and paint. Its materiality gives the painting power: the power to hold my attention. In the end is the question: Do I want to keep looking at the painting?
Identity is another point of interest. Annette’s paintings have a color scheme that is like a voice: identifiable. Her color is cool, and the resulting light depicted in the painting suggests depth. All her work has this color and light. The depth or pictorial space can be different. In this painting, I enter the pictorial space from the bottom and go to the top. The sky returns my focus back to me. So I enter the painting, have a visual experience with paint and a mountain, and return to myself and my thoughts about what I’ve experienced.
Then what does this painting mean, or is that important? Well, that’s what’s interesting: I have the impression that making this painting is the only important consideration. And it holds my attention. Being alive and interested is all that counts. This painting fulfills my expectations.
Painting on a wall inside of the living room
Paintings for Spaces Outside the “White Cube”
by Wolfgang Ullrich
The paintings of Annette Werndl almost always feature many different colors, some very strong and occasionally applied across larger areas.
Still, they never seem to be a garish, dazzling confusion of colors. Instead, thanks to strong contrasts, her works take on a special radiance; her colors necessitate each other, as if in collaboration rather than competition.
Certain Abstract Expressionists lend atmospheric richness to their painting by reducing its coloring, narrowing the color spectrum, but Werndl follows an opposite, more difficult, approach. It takes courage to rely on many colors at once, and moreover to accept unfamiliar color combinations initially perceived to be inharmonious.
Only with great concentration and almost a composer’s sense of colors can a uniform resonance, a higher, more complex form of harmony, be produced above all the conflicting tonalities. Since Annette Werndl does so, her exquisitely balanced paintings can have an effect on an entire space as well as the people in it. And what else could better provide “support”?
But that’s not all. The “energy” Werndl speaks of is perceptible in her paintings. It is largely created as a result of her habit of painting in layers. Color emerges onto the surface from the lower layers; sometimes it is exposed by scratching off the layers above it. In this way the impression of depth and movement are created. Especially when intense colors make up the lower layers, it seems as if the whole painting is seething beneath the surface like a volcano. One thus senses a distinct dynamism and energy, and this can extend beyond the edges of the painting to charge a whole room.